Фотографы изменившие мир к лучшему

Фотография и съемка видео
1

В этой теме постараюсь рассмотреть  известных мировому сообществу фотохудожников, их взгляды на мир и лучшие работы.

Andreas Gursky

Андреасу ГУРСКИ принадлежит мировой аукционный рекорд на фотографию — $3 млн 340 тыс. 456 ( аукцион Sotheby`s  2007 год).

Обычный зритель, типичный, среднестатистический, мало-мальски понимающий в искусстве, видит в произведениях современного немецкого фотографа Андреаса Гурского/Andreas Gursky (р. 1955) легкость и философичность. Пространственная удаленность зрителя от представленного сюжета обусловлена желанием анализа, попыткой взглянуть на все со стороны, дать обобщение и сделать вывод. А вывод каждый делает свой. 

Казалось бы, будничные события он разворачивает до масштабов символа. Обыденность преподносится как нечто абсолютное, законченное, идеальное — даже в своей суете. Возникает ощущение некоего «застеколья» — мы не слышим звуков, но наблюдаем образы, нас ничто не отвлекает, и зрительное восприятие становится наиболее полным. 

Было бы неправильно усматривать некую нарочитую социальность в творчестве фотографа, равно как и отрицать ее. Искусство ради искусства тоже есть цель, однако форма не отрицает содержания, хотя именно она и доставляет зрителю эстетическое удовольствие, а смысл может трактоваться широко. 

Большой формат готовых изображений впечатляет своей монументальностью. В начале 80-х гг. Андреас Гурский снимал на пленку, с середины 90-х гг. превратился в приверженца цифровых технологий. Новое время вложило в руки фотографа мощное средство — программное манипулирование на компьютере. В результате мы видим не документальную действительность, но творчески осмысленные сюжеты, продукт разума фотографа. Документальность он преображает, доводит до состояния всеобщей знаковости, находящей отклик в каждом из нас. Однако авторское воздействие настолько незаметно, что мы читаем его изображения как выхваченные из жизни. 

Диптих «99 Cent II Diptych» на аукционе Sotheby’s в 2007 г. был продан за 3 340 456 долларов. Такую оценку получили фотографии магазинных полок. Искусство? Прекрасное? Консьюмеризм, один из злейших пороков современного общества, оборачивается сладостным фетишем. Покупка не ради покупки или процесса, но ради наслаждения от наблюдения за собственным процессом покупки. Потребительский нарциссизм. Фотографическая сатира на пределе. Только в этом зеркале никто упрямо не хочет узнавать самого себя.©

— С чьей точки зрения вы стараетесь показать мир?

Andreas Gursky — Нет, это не взгляд Б-га — если вы это имели в виду. Но и не взгляд обычного человека, находящегося в гуще повседневной жизни. Скорее, это точка зрения некоего исследователя, который наблюдает мир на расстоянии, изучает его и пытается понять его конструкцию, логику его развития.

— Каким образом вы выбираете места для съемок, что вас интересует в тех или иных городах и странах?

Andreas Gursky — На всех моих снимках представлены образы, связанные с человеческой деятельностью. У меня нет каких-то идеологических предпочтений в выборе стран — это может быть Европа, Россия, США. Я не могу сказать, что я люблю одну страну больше, чем другую. Меня интересует не место, но пространство. Оно не должно быть живописным или экзотическим, оно просто должно работать — как исправная батарейка, от которой можно подзарядиться энергией. И мне бы хотелось, чтобы этот заряд передавался зрителям, чтобы, выходя с выставки на улицу, они узнавали какие-то мои образы в том, что их окружает…

— Чтобы мир казался им более упорядоченным?

Andreas Gursky — Не совсем так. Моя цель — познание мира. Обычно, когда мы идем по улице, мы с головой погружены в повседневные заботы, в наши собственные мысли, шум машин, движение толпы. Камера на штативе — это своего рода перископ, позволяющий нам подняться над этим потоком и взглянуть на мир более аналитически.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2

Анри Картье-Брессон.

(фоторок полно в Инете).

 

1 лайк
3

Henri Cartier-Bresson

Биография Картье-Брессона известна благодаря его многочисленным незабвенным изображениям личностей и событий 20 века. После изучения живописи, а также под влиянием сюрреализма, он в 1931 году начал карьеру фотографа. Используя простейшие техники, Картье-Брессон выполнял работы с безупречной композицией.

Часто фотографии Анри прекрасны потому, что он сумел «словить момент», а также передать стремительное движение времени. Зачастую фотографии Картье-Брессона делались 35-мм камерой,  и были самим фотографом четко скадрированы при съёмке, отрегулируемыми во времени и месте. Анри Картье-Брессон был убеждён, что если композиция кадра смещена, то его нужно считать бракованным и негодным. Фотограф не признавал обрезку уже готовой фотографии, уверенный в том, что композиция может быть построена только один раз — при съёмке. По словам гения фотографии, он вовсе не хотел заниматься режиссурой постановочных сюжетов, ему достаточно было того, что происходило вокруг.

Картье-Брессон опубликовал множество книг с фотографиями. Например, «The Decisive Moment» (1952), «People of Moscow» (1955), «China in Transition» (1956), «The World of Henri Cartier-Bresson» (1968), «The Face of Asia» (1972), «About Russia» (1974), «Henri Cartier-Bresson: Photographer» (1992).©

—  Что для Вас представляет фотография ?

Henri Cartier-Bresson — Фотография сама по себе меня не интересует. Я считаю, что для современной жизни открытие самого себя происходит одновременно с открытием окружающего нас мира, который может формировать нас, но на который мы также можем влиять. Баланс должен быть сохранён между этими двумя мирами: один внутри нас и один вне нас. В результате постоянного взаимного процесса оба эти мира образуют единый. Я просто хочу захватить кусочек реальности. Я не хочу ничего доказывать, ничего подчеркивать. Вещи и люди говорят сами за себя. Я не занимаюсь «кухней». Работа в лаборатории или в студии у меня вызывает тошноту. Ненавижу манипулировать — ни во время съемки, ни после, в темной комнате. Хороший глаз всегда заметит такие манипуляции… Единственный момент творчества — это одна двадцать пятая доля секунды, когда щелкает затвор, в камере мелькает свет и движение останавливается. 

—  У Вас есть любимая камера и объектив ?

Henri Cartier-Bresson — Для меня фотография — это спонтанный импульс к постоянному визуальному вниманию, которое способно уловить и миг, и вечность. Мне всегда была безразлична сторона процесса связанная с самой фототехникой. Фототехника не является абстрактной вещью. Вы не можете избежать этого в своём понимании. Техника должна быть чем-то, чтобы выразить то, что Вы хотите сказать. Вы должны освоить свою собственную  технику, а также знать свои фотографические инструменты, чтобы сказать то, что Вы должны сказать. Техника не существует в (абстрактном) понимании… Вы должны знать свои объективы, но это не так сложно. Вы выучите это очень быстро. Это как  машинистка, которая не смотрит на свою клавиатуру, но быстро печатает. Но потом, когда Вы знаете, как печатать, Вас волнует только то, что Вы должны сказать своим снимком, - это то же самое. Вам нужно почувствовать геометрию соотношения форм, как в любой двумерной среде, ведь камера передаёт трехмерность окружающего нас мира на плоскость плёнки или матрицы. И я думаю, что Вы помещаете себя в момент, где имеете дело со временем и с пространством. Также как Вы выбираете правильный момент в выражении, Вы также выбираете правильное место. Я подойду ближе, или отойду дальше, посмотрю есть ли акцент на предмете, и если отношение, взаимодействие линий правильное, то, оно есть. Если кадрирование снимка не правильно, то ему ничего не поможет, ни обрезка в темной комнате, ни создание всевозможных трюков… Мне нравятся миниатюрные камеры в путешествии, а не эти огромные зеркальные фотоаппараты. В путешествии я фотографирую на свой M3, поскольку он быстрее многих других фотокамер. Обычно же дома - это Leica и Nikon , плюс объективы с фокусным расстоянием 50 mm, а также иногда 24 mm и 135 mm. Для меня Фотография - это образ жизни. Для меня моя камера - это продолжение моего глаза. Я все время держу это при себе. Но все зависит от того, как мы живем, что нам нравится и как мы воспринимаем наше отношение к жизни. Кем  мы есть , на самом деле.

— Почему вы отдаете предпочтение объективу 50 mm?

Henri Cartier-Bresson — Он передает мое видение кадра и в то же время имеет достаточную глубину резкости, которой не хватает при использовании длиннофокусных объективов. Мне приходилось работать с объективом 90 mm. Он обрезает передний план, когда ты фотографируешь пейзаж, и если в кадр попадают идущие навстречу люди, то они остаются вне фокуса. 135 mm  позволяет сконцентрироваться только на портретируемом и его чувствах, а 35 mm прекрасен, когда необходим, но его слишком тяжело использовать, если вам нужна идеальная композиция. В кадр попадает слишком много элементов и что-то всегда находится в неправильном месте. 24 mm объектив всегда хорош, но очень часто он используется людьми, которые хотят кричать, а не рассказывать. Поскольку снимки, сделанные на этот объектив, сопровождаются незначительной дисторсией, этот эффект распространяется также на людей на переднем плане. А я не люблю эффекты, я нахожу в этом нечто агрессивное. Когда человек начинает кричать, это зачастую означает, что у него просто недостает аргументов. Разница между хорошим и посредственным кадром - это вопрос миллиметров - маленьких, маленьких различий - но это очень важно. С компактным же фотооборудованием вы не так заметны для людей. Вы не выходите на улицу, словно на показ. Мне кажется, что люди с громоздкими фотоаппаратами испытывают множество затруднений. Но это касается только содержания самого кадра. Для меня контент не может быть отделен от формы. Под формой я подразумеваю строгую геометрическую организацию взаимодействия поверхностей, линий и перспектив. Только в этой организации наши концепции и эмоции становятся конкретными и содержательными. В фотографии визуальная организация может проистекать только из развитого инстинкта.

— Возможно, единственная вещь, которой фотографы руководствуются – это подражание живописцам, и все фотографы аналогично должны открыть свою индивидуальность.

Henri Cartier-Bresson — Да. Но мы не “неудавшиеся художники”, как некоторые полагают. Фотография это такой же способ самовыражения, только на помощь приходят другие инструменты. Вот и всё. Делая снимок, ты будто пишешь картину, но за одну секунду. Фотографировать — это в один и тот же миг, в малейшую долю секунды признать факт и строгую организацию увиденных форм, которые выражают этот факт. Это поставить на одну линию прицела голову, глаз и сердце.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1 лайк
4

 

Чешские фотографы  Ярослава Кучер, Даниел Жижиха,  Ян Саудек,  Мирослав Тихий.

 

5

Arnold Abner Newman

 Американский фотограф, посвятивший фотографии почти 70 лет своей жизни и ставший одним из самых выдающихся и влиятельных фотографов 20 века. Он создал новый жанр «фотопортрет в интерьере» и оставил после себя сотни портретов известных личностей, ставших впоследствии классикой фотоискусства.

- Что из литературы, живописи или музыки больше всего повлияло на вашу жизнь?

A.A.N - « Я всегда говорил, слава Б-гу, что ни одно произведение искусства или ни одно произведение музыки не повлияло на меня сильно. Я ведь воспитывался на живописи. Портрет должен быть цельной композицией, говорящей о предмете внимания, — не просто изображать вещи, принадлежащие персонажу, но собой что-нибудь говорить в творческом целом. Если задний план становится перегруженным и в нем теряется личность, значит, у меня не получился хороший портрет, и фотография не может считаться хорошей. Я думаю, что мир полон интеллигентных людей, которые не хотят, чтобы им льстили, они хотят только, чтобы их поняли. Что касается музыки, я люблю хорошую музыку и хорошую аппаратуру. Я люблю это. Я люблю классическую музыку; Я люблю джаз и все такое, - всё, что имеет душу». 

-  Что Вы можете сказать о современной фотографии ?

A.A.N - «Я думаю, у сегодняшнего поколения есть одна проблема. Оно так увлечено предметностью, что забывает о собственно фотографии. Забывает создавать изображения, как это делают Картье-Брессон или Сальгадо – два величайших из когда-либо живших фотографов, работающих в формате 35 мм. Для создания фотографии они могут использовать любую тему, какой бы она ни была. Они действительно создают фотографию, от которой получаешь удовольствие, огромное удовольствие. А сейчас, каждый раз – одно и то же: двое в постели, кто-нибудь с иглой в руке или что-то вроде этого, «Lifestyles» или ночные клубы. Смотришь на такие " фото " и через неделю начинаешь забывать, через две недели – не можешь вспомнить ни одной. Но ведь фотография тогда может считаться интересной, когда она западает нам в сознание ».

-  Вы хотите чтобы люди узнали о вас что-то ещё ?

A.A.N - « Приятно быть признанным, получать награды - почетные докторские степени и все такое. Но Вы должны быть ближе к обычным людям и к природе. Есть некоторые, их не так много, но известные фотографы, которые позволили себе так поступить. Тогда их работа востребована. Честно говоря, они начинают думать, что все, что они делают, хорошо. Вы должны быть самокритичными, и вы должны слушать своё внутреннее эго честного человека. Я всегда говорю, что я никогда не знал настоящего художника, который когда-либо уходил на покой или играл в гольф на досуге. Это как будто ты должен пойти в ванную. Вы просто не можете помочь себе. Вы просто любите это делать. Все, кого я когда-либо знал или читал о том, кто был действительно великим художником, работали, пока они не упали замертво. Я думаю, что так оно и есть…»

http://arnoldnewman.com/portraits

 

6

Ansel Easton Adams : Настоящая фотография не требует объяснений и нет необходимости выражать ее словами.

Когда заходит разговор об искусстве пейзажа, то, в первую очередь вспоминается имя легендарного мастера этого жанра – Ансела Адамса. Черно-белые снимки  классика фотографии стали настоящим шедевром пейзажной фотосъемки и остаются до сих пор актуальными. Среди его работ есть множество отличных портретов, фотографии архитектуры и прочих объектов, но всемирную известность американскому мастеру принесли снимки природы.

- Объясните пожалуйста, как сделать хороший фотоснимок ?

AEA-  Мой друг, фотография - это цепочка элементов, объект-объектив-камера-фотограф, а сам фотоснимок - это « результат».

По порядку: а) пейзаж, фотограф, дисплей б) камера, негатив и печать.

Всё важно и взаимосвязано. Романтическая часть - это выбор ландшафта, умение ждать, наблюдать и предварительно визуализировать снимок. Знать, как лучше всего позиционировать себя в соответствии со светом и его отражением. Ведь фотография - это «искусство рисовать светом». Далее следует техническая часть: важно знать камеру, как свои собственные карманы, умение выбрать правильный объектив для каждой ситуации и, наконец, печать снимка в темной комнате. Об этом я не скажу вам, потому что, то, что происходит в темной комнате, является секретом, как то, что происходит в спальне [громкий смех …] Главное - это визуализация.

- Вы можете объяснить  мне более доступно ?

AEA-  Eсли я наблюдаю сцену, которая может стать красивым пейзажем или подчеркнуть достойные элементы архитектуры, а я хочу сделать снимок, мне нужно будет в первую очередь подумать о композиции, а сразу после нее - окончательный результат (то есть - отпечаток) с тонами, полутонами, тенями и теми нюансами, которые я увидел. Это никогда не достигается простым щелчком затвора камеры, потому что наш мозг через визуализацию обрабатывает свет и переводит его в изображение, что не может сделать камера. Необходимо уметь видеть, как видится вам чётко цель вашей фотографии, чтобы определить правильную экспозицию и затем внести минимальные соответствующие исправления на этапе печати.

- Насколько важен для Вас фотографический формат и какие Ваши любимые камеры ?

AEA- В пейзажной фотографии важно, чтобы большой формат позволял вам охватить весь кадр, выделить нюансы и направить взгляд зрителя на композицию. Ведь в каждой фотографии присутствует всегда только двое — это зритель и фотограф. Безусловно, я предпочитаю качественное фотооборудование. Для среднего формата - это Hasselblad, а для стандартного формата - это Pentax & Contax.

- Спасибо, мистер Адамс, за исчерпывающий ответ. У меня еще два последних вопроса. Во-первых, что Вы думаете о цифровой фотографии и о мощном влиянии компьютерных технологий на фотографов ?

AEA-  Мы приветствуем все нововведения, которые упрощают работу фотографа. Я имею в виду, что если бы мы все еще были в дагерротипии , многие из изображений, которые я сделал,  были бы невозможны. Возможно, Ансель Адамс не был бы фотографом [громкий смех …]. Сегодня то, что происходит в пост-продакшн с компьютерной обработкой фотографий, происходило таким же образом в темной комнате. Например, если вернуться к снимку “Moonrise”, то только благодаря компьютеру можно определить дату. Если вдаваться в технические подробности, когда он вышел из темной комнаты Санта-Фе, на самом деле мне было очень сложно печатать негатив, он был слишком легким на мой вкус, и через несколько лет я решил сделать его более насыщенным в нижней части. Я вымыл его, перевернул и затем погрузил нижнюю часть  в Kodak IN-5 . Я держал нижнюю часть снимка (до горизонта) погруженной в раствор, чтобы получить желаемую плотность. Печать негатива стала немного светлее. Посткоррекция оттенков облаков без передержки гор на заднем плане, требует тщательной проработки полутонов на негативе, которую я обычно делаю с непрозрачным картоном и держу очень далеко от поверхности печати, чтобы выдержать как можно дольше… Первые же действительно хорошие отпечатки мне удалось сделать только в начале 70-х годов.

Под этим рассуждением я подразумеваю, что сегодня с компьютером все эти шаги выполняются за несколько минут. Короче говоря, химию заменили электронными плагинами. А важно то, что конечный результат в точности совпадает с тем, что мы видели нашими глазами во время съемки, и тот факт, что моя зональная система также применима к цифровым, - это подтверждает сказанное. В моих многочисленных разработках в процессе печати этот факт мне всегда был очень ясен. Таким образом, не наносится ущерба цифровым или будущим новым технологиям, поскольку они дают конечный результат, преданный сцене, предварительно визуализированный и видимый фотографом во время съемки. Не существует определенных правил в фотографии. Есть лишь отличные фотографии!

- Спасибо, я никогда не надеялся на такой богатый и четко сформулированный ответ. Я перехожу ко второму и последнему вопросу: Вы талантливый пианист и известный фотограф, какие соотношения Вы нашли между музыкой и фотографией?

AEA- Конечно, этот вопрос не так уж прост. Насколько я знаю, музыка не состоит в том, чтобы просто играть одну ноту за другой, как жемчуг в ожерелье; с детства я изучал фортепиано сначала у миссис Батлер, а затем у господина Зейка, и с годами они научили меня контролировать невероятное разнообразие физических, эстетических и эмоциональных ситуаций. Всё это собралось вместе в грандиозном креативном дизайне, который прост только на первый взгляд, который требует высокого уровня памяти, понимания и чувствительности. Возвращаясь к этому всегда, я могу сказать, что я применил их в фотографии. Чувственность самой природы, понимание особенностей ландшафта, композиции и техническая память незаменимы в работе фотографа. Но музыка, как особая форма фотографии, не является простым решением. Они представляют собой то, что каждый из нас слышал или видел и хочет сохранить в качестве воспоминания о конкретном времени.
Итак, я признаю, что между этими двумя видами деятельности существует связь, но все зависит от человеческой чувствительности.
Вы не делаете снимок только с помощью камеры. Вы помещаете на фото все изображения, которые вы видели, книги, которые вы прочитали, музыку, которую вы слушали, и людей, которых вы любили.

7

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

8

История одного фотографа: Уильям Эгглстон

https://www.youtube.com/watch?v=yTyiAgmRA0I

http://www.artnet.com/artists/william-eggleston/

9

Альфред Стиглиц (Alfred Stieglitz) - американский фотограф.

1 лайк